长篇影评
1 ) 浮华之后的黑色笑话
《芝加哥》不乏浓墨重彩,歌舞升腾。但是在一组组幽默的、搞笑的镜头后,依然发射出冷峻、犀利的锋芒。
影片中的情节设置和人物设置都赋予幽默和搞笑,以诙谐、游戏的态度反衬严肃的主题,以喜剧的形式表现悲剧的内容,让观众在轻松的剧情里思考着不轻松的主题。
首先,片中的剧情始终围绕着律师比利如何想方设法帮助罗克茜成为舞台上的明星。舞台是一个表演的空间,不同于真实的世界。舞台上表演的成功离不开台下的精心策划、反复演练。这就使得剧本中包装明星的一切造假活动得以顺理成章地展开。比利为了让罗克茜成为明星,首先是对罗克茜的身世、经历、作案动机重新编造,对她进行形象包装,然后他们不分昼夜地进行演练,直到罗克茜能把编造的台词背得滚瓜烂熟,脱口而出。接着,比利进行了精心的策划:一是罗克茜答记者问那场戏,借助新闻效应,罗克茜一夜成名,由一个杀人凶手摇身一变,成为一个受人同情的无辜的弱者;一是法庭上比利为罗克茜辩护的那场戏,罗克茜无罪释放。同样是借助新闻效应,罗克茜与凯莉成为舞台巨星,她们那精彩的双人舞赢得了观众雷鸣般的掌声。但给观众印象最深的却是台下比利那灿烂的微笑``````
舞台后的暗箱操作与舞台上的完美演出、罗克茜的谎话连篇与老百姓的信以为真、比利的惟利是图与法庭上的道貌岸然都构成了一组组强烈的对比,具有很强的讽刺性。其次,影片中的人物都表现出扭曲变形。人丧失了智性情感,不再高雅伟岸,温柔美丽,而变得猥琐渺小,滑稽可笑。从律师到“无辜的受害者”,从新闻记者到法庭审判官,从明星到追星族都成了揶揄调笑的对象。即使是忠厚善良的老实人汤马斯———罗克茜的丈夫也不例外。忠实的汤马斯,为了不让妻子入狱,强忍戴绿帽的耻辱,主动承认自己是杀人犯;为了给比利付5000 元律师费,汤马斯东拼西凑,倾家荡产也在所不惜。当听到妻子编造的怀孕日期时,老实人终于爆发出对妻子不忠的愤怒,但他并没有放弃对妻子的救赎。法庭上,众记者烟消云散后,只有他在那儿耐心地等待着妻子的归来。这反而让罗克茜觉得奇怪:“你要干什么?”“我想带你回家———你想要的,还有孩子。”“这不可能!”罗克茜尖叫起来“, 天啊! 你真的相信? 我没有孩子。”说完,罗克茜再也不关心丈夫的存在,只顾看着窗外,为自己不再受关注而百思不得其解。“没有?”可怜的汤马斯好象掉进了一团雾水里,独自一人悻悻地转身而去。
在影片中,诚实善良反而变得可笑,痛苦和不幸成了开玩笑的对象,人类的处境变得冷酷而荒谬。人们不再天真,不再有理想,不再有崇高感和悲剧感。面对自身这一现实处境,人们甚至没有愤怒,只有麻木,就象汤马斯一样。正如哈桑在《后现代转折》中所说:“后现代不再狂躁,他在冷漠的世界中,展示了后现代艺术家眼中那恐怖和卑琐的世界。”但在这种表面平静中,却蕴藏着内里的冷嘲、戏谑与解构。
“戏笑释一切”、“一切皆戏笑”是该片的特点,也是后现代电影共同的基调。但该片在镜头语言的使用上,有时过于强调后现代电影的拼贴意识———对故事的叙述采用无序的拼贴、画面与画面之间使用大量的跳接,这样有时会给观众带来视觉接受上的断裂,造成观众审美接受上的间断性、跳跃性。
尽管这样《, 芝加哥》依然是一部上乘之作,它的成功给我们带来很多的启示。首先,该片包含了成功的商业片所具备的多种元素。如该片具有很强的视觉冲击力,片中大量的歌舞表演都具有很强的时代性、观赏性。在那充满着动感诱惑与活力四射的歌舞表演中洋溢者浓浓的异域激情和个性张力。该片的好莱坞色彩也十分浓厚,造型、剪辑、声音的优质要求使得这部作品是一部符合好的工业标准的作品。此外,该片情节曲折,凶手与美女、嫉妒与阴谋的情节设置使得片中剧情环环相扣、层层深入。其次,该片还具有很强的现实批判性、艺术性。因为一部影片仅仅具有商业性还是不够的,有艺术性的电影才会有长久的生命力。《芝加哥》结构紧凑,人物个性鲜明,让观众在色香味俱佳的视觉拼盘中感悟那深层的社会内涵和强烈的批判意识。马赛尔·马尔丹曾说过:电影
是一种企业,也是一门艺术;是一种语言,也是一种存在。影片的商业性和艺术性并不矛盾。《芝加哥》就在电影的商业性与艺术性之间找到了一个很好的平衡点。
2 ) 没有爱情,有别的
毫无疑问这是一部女人戏,但是它特别就特别在,它没有爱情。
以前的电影,现在的电影,各种题材的电影,都喜欢用爱情作为点缀,甚至以爱情作为救赎,连枪战片也不例外。非要给暴虐的男主制造点柔情,让大众相信杀人不眨眼的人其实渴望真爱,多么美好的世界!好像世界上真的是到处充满爱了,爱情的力量是最强大的,其实是多么自欺欺人的行为。
这个电影出色就在于他很现实,一部女人戏,一点歌颂爱情的意图都没有,甚至对爱情有点嘲讽味道,律师出场的台词,句句都是反话,句句都是讽刺,告诫那些被爱情洗脑梦想靠爱情走天下的女人醒醒吧,这是真实世界。真实世界里,爱情只是传说,大部分人拥有的,只是欲望,各种各样的欲望。
这部片子虽然没有爱情,但却有别的内容。那个被诬陷的女人被送上断头台时候下面观众的反应,唏嘘,或是欢呼,突然让我想起了鲁迅的小说,中国那些伸长了脖子去看英雄被砍头,兴奋的好像看戏一般,其实未必是中国的劣根性,CHICAGO让我们看到了,这种心态其实全世界都有,只不过,那个时代人们喜欢看的受虐主角,不是英雄,而是女人。
就是女人,女人,无论你是歌舞剧演员还是罪犯,其实你都在舞台上,你的娱乐消遣的内容。无论是你打扮的如同洋娃娃般接受爱慕,还是被吊死在大庭广众之下,其实都是娱乐的演员。女人,尤其是漂亮的女人,对你的宠爱是娱乐,看你痛苦也是娱乐。你的生老病死,悲欢离合,对大众都是娱乐,只要主角是女人,那么一切就带上了香艳的意味,哪怕是你的痛苦对众人来说也如同一场表演,看起来带着SM的快感。导演很显然借着这个题材在表达更深刻的内容,因为这是CHICAGO,因为主角是女人,所以才有那么多的看客。如果被送上绞架的是个男人,导演就不可能拍出好奇的观众,和他们内心的欢呼这种情节来,导演其实是在讽刺,不是吗?
ROXY后来终于明白,她曾经以为是征服了大众,其实说到底她就是一个大众的玩偶,大众看她巧笑盼兮的心态,其实和看那个女罪犯上绞架的心态差不多,一切无非都关乎于娱乐。娱乐,就是如此。就好像君王对于小妾,宠幸过后就生厌,寻找新的肉体,新的刺激。ROXY永远逃脱不了玩偶的命运。这是女人永远的命运,是靠别人宠幸而生存的女人注定的命运,也是大多数女演员的命运。
这也是为什么我多少觉得这部片子有女权的味道。但是这部影片的主旨似乎也并不是控诉,不是哀怨的妇女解放电影,女主角也并不是天使。她所做的一切也都是出于欲望,杀了人,享受了名誉,还逃脱了法律的制裁,所以,这个世界是不公平,但是,你还想得到什么呢?
3 ) 畸变的社会价值观
影片向我们展示了处于上世纪大企业黄金年代的美国芝加哥,在那样一个表面经济繁荣的社会形态下,人民心态受经济影响而产生的畸变是多么的可怕与荒诞。导演通过影像的手法淋漓尽致地把歌舞升平的芝加哥中暗涌的名利暗流以及在这种涌动中人性和社会价值观念的异化呈现在观众的面前。
《Chicago》作为一部典型的歌舞片,以一定的剧情为主线,以音乐的叙事方法,通过绚烂的歌舞形式来烘托出主题。在歌舞片中,常常会通过配对的人物来实现“拯救”的主题,通过一系列对抗性的情节,最终实现双方的相互拯救(引自《电影阅读方法与实例》)。女主人公Roxie在影片开始时企图通过出卖自己的肉体来得到一个成名的机会,为了一个纯真的梦想而割舍了现实自己的纯真是多么的可笑与荒谬!人民的心态在那样一个浮华糜烂的社会风气之下变成如此颠覆传统的意识。好在,故事的最后Roxie和女二号Velma在经过了一系列的波折之后,最终通过自身的努力和合作赢得了掌声,而并非像最初的通过利用他人、捏造事实、依仗社会舆论等来得到注意。
当然我们也不难看出,这种特属于芝加哥的娱乐方式是被社会常态化的畸形的娱乐。人们只有通过鲜血、暴力、或是层出不穷的罪恶才能达到兴奋,才能满足对于新鲜事物的欲望。这是一种多么荒诞又让人无法理解的人性悲剧。就像片中那个匈牙利女囚的死亡一样是否是在告诉人们,代表高雅的芭蕾已经像她一样死亡和没落了呢?我们究其根源,虽然社会的经济形态起着决定作用,但社会舆论也需要在其中负很大的责任。
大众爱八卦,媒体爱话题,人要出名就要靠广播报纸的大肆报道,在这种恶性循环之外更是催生了一大批像Roxie这样的普通民众以及Billy这样需要靠传媒靠话题为生的律师。甚至到影片的最后媒体的操作已经影响到了司法公正,社会舆论的力量已经改变了人们生活的方方面面,在如此这般黑暗与丑陋的芝加哥,人们怎样维持住自身的纯真呢?
影片中充斥着大量宣扬女权主义的话语,但又很戏剧性地让Billy这样一个男性人物去拯救那些杀害男人的女人们。即便影片最后她们两个是靠自己的努力与合作赢得满堂彩,Roxie和Velma的成功也是不可否认地建立在Billy对她们最初的拯救之上。所以纵观整部影片,男女的地位始终处在一种相对公平的状态下,世界是男女搭配下才能平衡的。而社会经济体制下、社会舆论的控制下人们价值观念的改变着实是非常可怕的。
除了《Chicago》的主题层面之外,作为视觉元素的摄影手法也是相当值得一提的。
影片一开场就是主人公一双眼睛的特写镜头,并紧接着推镜头通过放大使之得到强化,形成巨大的视觉冲击力,牢牢地抓住了观众的注意力。马上镜头带领观众来到了一个人声鼎沸的酒吧中,通过快速高频率的镜头切换让观众大致地扫视了整个酒吧的环境与其中的人物。而这种快速无序的画面剪切与拼贴在整部影片中不断使用,通过大量的跳接给观众带来视觉接受上的断裂,造成观众审美接受上的间断性和跳跃性,从而加快了影片的节奏以及紧张感。
就整部影片中摄影机的状态来说,运动摄影毫无疑问的占了主导地位,尤其是像《Chicago》这类的歌舞片,多角度多机位多功能才能将歌舞的情绪色彩以及其视觉快感表现出来。其中女二号Velma出场时的跟镜头不仅交代了环境而且同时让观众与剧中人物产生同样的紧张感,跟随着其脚步参与到故事的发展中去。又如,阿莫斯出场时点缀用的移镜头,从记者拍家具商的尸体开始镜头不断移动,扫描了整个房间中的状况后镜头移到了阿莫斯,模拟了警长怀疑其口供的视点。还有在牢房探戈开始之前的一个典型俯拍镜头,画面突然只剩下Roxie以及一张圆桌和一把椅子,一种压迫感和宿命感随即产生,追光灯的使用更是加强了上帝视点的效果,预示着紧接着就将发生什么。
因而,相比较固定摄影,移动摄影更能够增加影片的节奏感,使观众的感受更贴近真实状态。
另一方面,就影片的构图来说,《Chicago》属于动态构图以及开放式的构图。由于歌舞片的基本要求在里面,构图的封闭会使画面缺少动感而失去影片所要营造的节奏,而且画框中的世界并不是孤立存在的,它时刻要与外界发生着关系。例如警长在审问阿莫斯以及Roxie产生心理活动的时候,画面中舞台上同时出现了他们两个人,而且明显Roxie所占屏幕的比例比阿莫斯多,这种构图加大了两人的疏离感,形象地表达出两人关系的恶化,同时将观众的注意力有效地引向了画面内容中去。另外Roxie在监狱厕所中偷听妈妈与Velma谈话的那段,导演通过狭小的一条缝模拟了Roxie的视域,将画面两边遮挡,形成偷窥的胆怯感,让观众同样产生身临其境的感觉,增加观众对主人公的认同感。
电影的构图不同于绘画摄影等静态的视觉艺术,它不仅是动态的视觉艺术也是表现电影完整意义的重要因素。因而研究电影的构图要从各个方面进行探索。
《Chicago》中的色彩绝对是分析影片时不能忽略的,其重要性是毋庸置疑的。整部影片都给人以高反差的视觉效果,首先是现实世界中偏冷的效果与心理活动中暖色效果的对比,其次还有舞台表演时不同人物的冷暖色效果对比都强烈地表现出一种讽刺的意味。在心理感受上,红色作为暖色传达出紧张感与积极感,例如Billy的出场舞蹈、牢房探戈、木偶舞等几乎所有的舞台表演都是运用的红色舞台灯光,营造出一种快节奏突出、向外扩张的态势。而在影片前段中Roxie与阿莫斯同时出现在舞台上的那段,Roxie微微泛橙色的红和阿莫斯的冷调深蓝色形成强烈的反差,一方面表现出阿莫斯郁结孤独感,另一方面也说明他们两人关系的进一步恶化。
而整体舞台色彩比现实中的鲜艳,更是讽刺地说明芝加哥是个声色犬马的世界,营造出荒诞嬉笑的电影氛围和一种强烈的讽刺效果。
最后,影片中的用光更是值得称道。光是电影拍摄中最为重要的因素之一,光运用的好,对于整部影片的艺术价值提升具有非常重要的作用。《Chicago》舞台上的追光灯等直射光的运用对于表现人物的轮廓与立体感起到重要作用,也增强了影片的戏剧性。影片中阿莫斯的歌舞和Roxie唱《funny honey》的那段,逆光的运用使人物的轮廓表现最佳,获得剪影的效果明显。其中唯独阿莫斯的歌舞用光使用的是单纯的暖色光,不像其他主角的歌舞表演用的是红色舞台光,这也从另一方面表现出整部影片中只有阿莫斯是诚实善良的,但这种品格在那个年代简直就是他的痛苦与不幸,这又是何其的讽刺和悲哀啊。
在光线的影调层次上,舞台光都是采用的高调光,用以表现其活跃与热闹也加强了空间的虚幻感。同样是舞台上,在Roxie最后试镜的地方就相比较更为低调,表现出一种暗淡与凝重。
而在光线的造型效果方面,本片集自然光效与戏剧光效于一身,但着重还是偏向于戏剧光效,这与影片的题材是密不可分的。在现实的世界中,自然光效能够充分的体现其逼真性与纪实性。而戏剧光效的大量运用更加突出了与现实之间的差异性和人为装饰性,使物质世界与精神世界形成强烈的反差,从而表达影片的主旨。
本片不仅在以上方面有着突出特点,其影片的视点也是涉及到好几种。像刚开始时Roxie的主观视点,到后来的预告性视点等让观众在观赏影片之时带有紧张感,更容易投身于角色中去,加强了影片的可看性。
综上所述,本片是一部集所有商业片要素于一身的商业片,同时又是一部具有现实批判性和艺术性的文艺片。影片不断利用歌舞片段来切换现实世界和人物心理活动,运用人物的重复出现和人物动作的一致性来表现剧情,突出了事件发生的重叠性和重复的主题。在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中,将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。
4 ) 在浮华的背后
《Chicago》这部电影就我的理解,是一部展现以女主角Roxie Hart和Velma Kelly为代表及其周围人物的在各自的欲望面前挣扎、矛盾,无所不用其极却不计后果不言后悔的心理电影。
无与伦比的视觉语言运用和画面色调处理,使这部电影当之无愧是一部光影巨作,优秀的、值得借鉴的、无可比拟的、令人惊异的画面、场景、情节实在是太多太多了,我无法也自知没有能力去一一详细读解。每个人的想法不尽相同,我便以己之劣见分析一下的对影片中部分印象深刻和及其喜爱的情节所属摄影总谱和光影语言表达的效果的个人理解。
影片开场,就以一连串快速叙事蒙太奇富于逻辑性和节奏地交待了故事发生的地点——芝加哥夜总会,也间接表明了这个地点对之后的剧情起着重要的作用。
主角之一Velma出场,摄影机开始后跟,将观众带入戏,模拟出一种主观视角的效果。同时,室内的戏剧光效营造舞台氛围,弥漫着花天酒地、醉生梦死的气氛。
另外一边,Roxie在夜总会内朦胧的柔光制造的幻想中,以一袭强烈的顶光照射和Velma角色互换,扭曲变形的效果使一个渴望成名、名利至上的女人形象跃入观众脑海。
如果Velma带来的是浮光转身的幻觉,那么Roxie上演的便是欲望躁动的现实。影片采用了平行序列,舞台上的过饱和色彩和灰蒙蒙的大街,暖与冷,梦幻与现实,没有过渡,都在上演欢愉。突兀和反差巨大的冷暖对比色彩也为这欢愉的短暂作了隐喻的暗示。
提及暗示,导演Rob Marshall在影片中可谓费尽心思,很多看似微小的细节都对往后的剧情起着重要作用,种种这些,都是暗示,值得深究。
接下来便举例说明一下。我在这里大胆进行一下个人的揣测,从Roxie在楼梯上魅惑注视Fred的画面看,光将楼梯格纹投映到墙上,我是否可以以小见大地认为导演Rob Marshall在以一个上帝的视角为Roxie即将锒铛入狱作了一个预告性的暗示?如果真是我所想,那么导演的丰富想象力和对视听语言表现手法的高超掌握,已足够我所钦慕崇拜了。
此外,歌词和场景配合天衣无缝,歌词言语之间的暗示、舞台与床第间动作的衔接,如此自然和谐,个人以为导演在本片一开始便利用视听语言上的小小细节暗示两位女主角Roxie和Velma之间不可分割的紧密联系,为故事情节的发展埋下伏笔。
接下来要探讨的便是色调光影语言中的对比作用。
Roxie杀人后镜子中折射的室内的暖,和潜意识幻想中的冷,形成对比,快速剪辑给人以突兀感,展现人物心理的不安和灵魂深处隐藏着的罪恶。色调和光英在此处表达出的强烈且鲜明的对比作用。
而在警察明显怀疑Roxie丈夫的包庇和Roxie是杀人犯的场景中,直射光下的女主角显得无辜孱弱,拼命掩饰的罪恶感一览无遗。随着人物动作的设计,主人公头转向,形成侧光,偏暖色调的戏剧光效营造出一种臆想,人物服装的暖色调与舞台背景的暗调形成对比,又交叉现实中袒护自己的丈夫与警察的对峙,展现出一种温馨感,随着音符节奏的加快又释放出一种不安、不祥之感。打在女身上的暖色光与丈夫身上的冷色光又是鲜明的对比。两人互相指责的说辞便是夫妻反目、最后妻子锒铛入狱的铺垫。
锒铛入狱之时,一小段前跟镜头显得凌乱不和谐,从犬色声马的浮华被推入黑暗无垠的冰冷牢狱,外加空寂大街上营造出的大气透视效果,真实而又离奇地展现了现实的多变。
紧接着,影片中又一重要人物女狱长嬷嬷富有戏剧化的出场,有效地利用了影子这一元素,逆光且过曝光大气透视效果作为臆想世界的转场,加以现实的冷色调与臆想的暖色调对比,唯利是图的贪婪形象具化生动。舞台戏剧化的影子出场、现实与臆想前后交叉的同一动作连接,舞台追光效果和台下掌声无一不体现嬷嬷唯我独尊的妄自尊为,投影便是潜意识内心深处的欲望本性的象征。段歌舞结尾处的逆光戏剧光效又进一步塑造了贪婪中的些许邪恶。
最后便是对于对比蒙太奇在画面的表达、构成及剧情的呈现上的探讨。
这个片断出现在Roxie 入狱后的第一夜。随着一连串流畅奔放的快速剪辑蒙太奇,舞台和现实一片离奇的混沌,女囚们上演了一出华丽反叛愤怒不羁的音乐舞台剧,导演在此处再一次运用了令人惊叹的视听语言手法,灯光的明灭象征着焦躁与矛盾,重现了女囚犯罪时刻的不可忍耐的暴力因子的叫嚣。
接着是女囚们分别出场进行“自我申诉”。第二个女囚出场的构图颇具玩味性,导演通过以一个男人的下半身为前景,女囚一出场便成为“胯下之臣”,影射性地交待了其情杀动机,最后一个动作的设计与之呼应,男人在她的身下“俯首称臣”,又是一种对本末倒置的大反差结局的预示,讽刺意味强烈。过程中灯光忽明忽暗,暗示且象征着情节的起伏。
最后一段群舞画面充斥着明暗光影色彩的反差对比,叫嚣着的红和落尾处的黑,是否可以浅显地理解为是一种颜色的心理暗示,女囚们在欲望中的挣扎与矛盾一览无遗。
值得一提的是导演在影片中充分发挥了镜子的最大作用。在获得金牌律师X的帮助下名声大噪的Roxie的内心独白中,镜子将Roxie得意洋洋、名利野心和八面玲珑用画面呈现出来,我们完全可以从越来越多的镜子中折射出的越来越多的影子,看出Roxie内心的复杂和多变。而在影片开头对夜总会后台粗糙的呈现中,布景的特色就在于镜子所增加的空间感,构图上来说很新颖。
鉴于个人比较钟爱Roxie丈夫的舞台片断,便做以下简要赏析。
Roxie的丈夫在与律师交涉时第一次正式有了内心世界的独白,现实与臆想形成交叉蒙太奇,在臆想的舞台上,背景以暗调为主,且自始至终都有低光光效所致的一个巨大的影子在他身后相随,如果说嬷嬷的影子是贪婪本性内心欲望的象征,是人格的另一半存在,那么X的便是被他的影子淡化了存在感,让人印象深刻,默默无闻,受尽类似X律师甚至妻子X的忽视。同时又被影子吞噬,在深爱的妻子为名利的极端欺骗前迷失了自我,乃至成为了骗局中的一个参与者。最后的逆光剪影效果更是加深了黑暗的吞噬感,他俨然已经成为了妻子Roxie名利道路上的一枚棋子。
有一类电影,它们堪称典范,只能模仿,无法超越。可《Chicago》的完美让所有的模仿只是种空白。 或许《Chicago》让人百看不厌是不仅因为它歌舞升平、浮光溢彩。而是它流离张弛、惊艳风情的电影摄影视听种种语言,让人在大呼过瘾的同时感受到人物在浮光转身之后的,那摆脱不掉的欲望躁动。
2009.3.5.影评课期末考试作业
5 ) 《芝加哥》:一半是调侃,一半是人生;一半是天堂,一半是地狱
电影《芝加哥》中,没有故事,没有新闻,只有炒作,只有若有若无的绯闻计划,只有充满着酸甜苦辣的人生百味,一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理,从这个层面上讲,《芝加哥》着实不失奥斯卡水准,当然,亦是一部难得的佳片。
依常理,但凡歌舞剧,其势必喧嚣,其舞蹈必曼妙,要么谈情,要么说爱,风花雪月,才子佳人,加入煽情的成分则华丽转身,变穷小子追逐富家女的千古绝恋,《红磨坊》即如此,但风月归风月,其情虽刻骨铭心,但其理却尽显苍白肤浅。
人间冷暖,人生悲欣,在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现,观其外,音乐优美,舞蹈华丽,美女帅哥,动人心魂,摄人心魄;品其内,则酸甜苦辣,人生百味尽显无余,细细品味,则觉其内涵越深,其外延越广。
一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗,结果,一怒之下,开枪将其击毙;一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙,两人都被送往医院,等待法院的裁决。
主角的人生就犹如一场过山车游戏,先喜,再悲,再喜,再悲,最后皆大欢喜。情节曲折,亦耐人寻味,她成功摆脱死刑的判决,和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分,其在遭遇读者和媒体的冷漠后,不失时机的炒作自己,炒作大众话题,将其本人事件炒作的风生水起。
在芝加哥没有永远的明星,一切都是浮云,没有什么是恒久的,人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作,这亦是当今这个媒介社会的真实写照,人生如戏,戏如人生。
6 ) 浮华与娱乐的转身,金钱与欲望的躁动
前几天刚看了 Chicago。好吧,我承认我是 Old Fashion,不过有些东西,我宁可去偶遇,所以当在同事的电脑中翻到 Chicago 的时候,自然是不会再错过了。
将黑手伸向 Broadway 的经典舞台剧,改变后将之搬上大营幕,这是 Hollywood 那些精明的投资商和导演的最新伎俩吧?虽然鲜有成功,但瘦死的骆驼比马大,怎么招都能博得影评人的一点怜悯。但 Chicago,这部曾获得六项奥斯卡奖的歌舞大片,以4500万美元的成本换来美国本土1.71亿、全球3.06亿的票房,的确是一个商业和艺术的双丰收,但是我宁可称其为社会现实讽刺剧,而不是歌舞剧。它并不是一出传统意义上歌颂真善美或者爱情至上的歌舞剧,甚至在歌舞的表现以及侧重方面,Chicago 一剧表现得并不出色;而在揭露社会现实和嘲讽这一意义上,它比一般的歌舞大片有过之而无不及,相信美国电影工会的评委们也正是考虑到这一点吧?
Chicago 所提出的“大娱乐家精神”贯穿本剧始末,顺着这个概念,剧情被惯连,人物被充实,同样的,由这个概念,三位主人公的形象到最后都被拆解得支离破碎。什么是Chicago的“大娱乐精神”?它表现在Richard Gere 饰演的芝城大律师Billy Flynn 的道貌岸然、一手遮天、颠倒黑白,它表现在Catherine Zeta-Jones 饰演的舞女Velma Kelly 的血刃亲人,它表现在Renee Zellweger 饰演的Roxie 的爱慕虚荣。而导演Rob Marshall 给出三位主人公一个看似完满乃至荒诞的结局,是出于商业需要,还是隐含了对现实的嘲讽?相信各位看管都各有说法罢。本文也就不过多去争辩了。
撇去产子后体型尚未完全恢复不谈,Catherine Zeta-Jones 的歌舞技巧实在让我震惊!以至于到了篇为都一直认为它是女一号:每一个舞蹈动作相当到位,一颦一笑中的风骚,吸烟与拍照时的风情万种,当然还有厚实、具有磁性的嗓音。最让我记忆深刻的几个场景:当Zellweger 被当作Gere 大律师的头号客户时,Zeta-Jones 眼神中那种黯然的失意;当为了讨好Zellweger 的时候,像小丑一般的说服她与自己搭档组合(剧种Zeta-Jones并不需要,它只需要利用Zellweger 重振她往日的声明);最后出狱时再次诚心邀请Zellweger 与她组合,并略微尴尬的掩饰自己当前破落的窘境。三个场景,三种心态,三个表情,却都将角色本身的自信和高傲分毫不差的表现出来,可见 Zeta-Jones 早将这个舞女的角色揣摩得入木三分。
Renee Zellweger 的角色不如几年后在 Cold Mountain 中那样突破,不过表现依然可圈可点,虽然 Catherine Zeta-Jones 出场在先也并未让她逊色多少。Zellweger 所饰演的已婚妇女,本来应该安于家事,但却对在闪亮的聚光灯下彻底迷失自我。她为了成为一名歌手主动献身却被欺骗,恍然大悟气愤交加她居然举枪就开。而在监狱中她从开始的害怕、憔悴,经过Richard Gere 所饰演律师的“炒作”“包装”骤然走红,从一名杀人犯“洗心革面”的变成了一名受害者,又在即将被媒体抛弃、全面失宠的情况下“急中生智”“怀孕晕倒”,再次引爆媒体的追捧狂潮。这便是暗讽光怪陆离的娱乐圈内各类“炒作”“曝光”的娱乐事件。不过在最终被判无罪的霎那,Zellweger 从飘然的天堂落回现实的地狱。粉丝的来信、鲜花啊!重获新生的她似乎已经开始回忆在监狱里的美好时光,这又是一个绝妙的讽刺。Zellweger 的表演,时而性感可人,时而楚楚可怜,将人物塑造得有血有肉,让人爱恨交加;而她高音区极剧爆发力的嗓音和略微沙哑的歌喉,让人觉得她不出张爵士专辑简直是浪费了这把好嗓子。
两女一男一台戏,不过这个男主角选得真是败笔。他可以是John Travolta,也可以是 Antonio Banderas,当然 Ewan McGregor 也是可以考虑的…… 但Richard Ger?为什么偏偏是Richard Gere?从他一出场就与整个歌舞剧显得格格不入。没人质疑Richard Gere 的形象,或是演技,要知道这种伪善、道貌岸然的角色简直是为他量身定做,而到了歌舞环节…… 你就知道他的嗓音和肢体协调能力多么贫乏了。不过 Chicago 一剧的小高潮便是从Richard Gere 和Renee Zellweger 二人的木偶剧开始,二人滑稽夸张的面部表情尤其值得再三玩味。
同样还需要提及的两个配角和两个舞剧戏中戏,一个是饰演囚犯长Mrs. Morton的Queen Latifah,以及在极其经典的Cell Block Tango 中的6号女囚的 Mya。身为 Hip-hop/Rap 界的大姐级人物的Queen Latifah,本身就有多年电影和话剧舞台的演艺经验,而囚犯长这样有一定“分量”的角色找她自然是没错的。而在Queen 上场的那段When You're Good to Mama 中,急促厚实的低音鼓也同样突出了她的“重量级”,当然,这样一首风骚十足的歌曲,恶俗,倒也相当直截了当——When you’re good to Mama, Mama’s good to you.
6位女囚所表演的Cell Block Tango,创意好、剪辑好、歌舞编排好、舞者实力更好,除了女配角Zeta-Jones 之外,各个都是专业出身。个人喜欢第一个出场的Susan Misner、黑人女囚Deidre Goodwin 和俄罗斯舞者Ekaterina Chtchelkanova。当然还有那碟超大配菜:6号女囚,美国R&B女歌手 Mya ,但实话实说,这个角色丝毫没有给她任何表现机会。
好像很多人、很多影评人、很多职业影评人都将 Chicago 与 Moulin Rouge 相提并论作比较,甚至说 Chicago 是因为 Moulin Rouge 的陡然走红才草草赶制出来的,这点纯属无稽之谈。事实上,早在 1996 年,Chicago 就开始了女主角的甄选工作,而当时最被看好的 Madonna 在 Chicago 和 Evita 之间选择了后者,详情在任何一本Madonna传记中都有记载。而随着时间的推移,剧本需要删改、演员没有合适人选、投资商和电影公司也渐渐失去信心,最后拍摄计划不得已搁浅,开机遥遥无期。直到Moulin Rouge 的大获成功,让 Miramax 再次有打捞一笔的信心,才重整人马投入拍摄,终于带给你这出“大娱乐剧”Chicago。
而同样作为歌舞剧,相对于 Chicago 针砭时弊的严肃主题,Moulin Rouge 的题材就显得中规中矩:浪漫爱情悲剧;同样的歌舞情节在两剧中所担当的任务都不同:Chicago 中,歌舞情节是对剧情的权势、结构和说明,而 Moulin Rouge 中,歌舞情节从属于剧情,无法将之抽离开来。做一个不太恰当的比方:Chicago 一剧若是《红楼梦》,Moulin Rouge 就是《罗密欧与朱丽叶》,中外经典,相障得益,各有所长。
如果你看过 Chicago,不如趁现在温习一遍。
如果你还没看过,不妨找来一看,这样的影剧,偶遇,太难。
附录:推荐一篇针对本剧歌舞片段的评论 周黎明:《芝加哥》歌词赏析 http://www.mov8.com/dvd/freetalk_show.asp?id=8449
非常美国,非常讽刺主义
属于聪明有余但无甚才气的那一类,歌舞部分除了里查基尔比较勉强外,基本把提线木偶似的爱乐之城秒成渣!奥斯卡赢了《钢琴家》也不是它的错,好莱坞体制内敢把讽刺做成这样的也没几部了,用浮华堆砌成腐朽的舞榭歌台,最后还是没能再走一步,索性像红楼梦那样散成一场大荒,多好
可以翻来覆去的看。
A-MA-ZING这才是值得奥斯卡最佳影片的歌舞片(对我针对的就是lalaland)
大银幕看不断地引发各种生理反应【电影资料馆】
03年在我还接触电影不多的时候,片中那些踢踏的节奏感,美轮美奂的场景转换,雀跃的爵士乐,第一次觉得歌舞片的魅力可以如此撩拨人心。那时候刚高中毕业,看这种片实属过于前卫了,就是那种看的人会面红耳赤、有点罪恶感,同时又坚定地认为这就是高级艺术的荣耀感,想给其他人分享又不敢,毕竟03年还没有豆瓣,那心情真是五味杂陈,百感交集。
十年了,仍旧没有歌舞片可以超越它。
看了这部电影之后才发现……《BJ单身日记》也没法当作励志电影看了!齐薇格根本就是一个尤物啊!!
Renée Zellweger惊艳死
看完《红磨坊》再看这个,立马对比出前者差距
Cell Block Tango六人探戈和提线木偶We Both Reached For The Gun两段歌舞实在太棒了!
看过的剧情最棒的歌舞片,那段拉线木偶戏很出彩,毕竟是奥斯卡最佳影片啊~~
娱乐至死的年代一切不过都是showbiz,讽刺法制、媒体、大众,罪犯成了人人追捧的明星。印象较深的段落:六个女犯的独白舞、律师操纵记者的傀儡舞、Renée的多重镜子独舞、东欧移民女的行刑舞(没有话语权就是死路一条)、审判之前的razzle-dazzle舞
出乎意料地让我有些震撼的感觉。Catherine的演技远在Renée之上
lalaland真的差远了…… Renee很漂亮,舞台感不如Catherine Jones,每个角色都很出色
浮华交接,满地昙花。第一部让我有生理反应的歌舞片。与犯罪片的结合很有看头,不脱离“舞台”的歌舞场面让人联想到《歌厅》。区别在于打破了鲍勃·福斯有意制造的割裂感,没有场景上的频繁辗转,呈现方式倾向于外化的精神臆想,加强了外在的紧密联系,但也消解了内在的互文快感。讽刺浅显,好在精彩。
2003年奥斯卡最佳影片(然则远不能与[钢琴家]相提并论)。影片根据百老汇同名音乐剧改编,是一部制作精良的歌舞片,兼具娱乐性与社会讽刺意义。剪辑精妙,歌舞与常规剧情交叉并行,不仅外化人物心理活动,还起到象征与补充诠释的作用。三位主角亲自完成所有歌舞场面,不容易。最爱木偶剧段落。(8.0/10)
虚荣,浮华,财富,偷情,谋杀,情欲,大腿舞,各种浓妆艳抹,美国文化最庸俗物质的元素全部乱炖在一起了。眼花缭乱的歌舞剧效果,大俗中有一点小雅,“无法喜欢自己过的生活,无法过自己喜欢的生活”。凯瑟琳·泽塔-琼斯的戏份要再多点就好了...
过分的夸张反而容易产生不真实感,进而使苦心经营的讽刺效果大打折扣,幸好大量的平行交叉蒙太奇拯救了这部电影,在歌舞片的表现形式上可谓一大突破。个人认为本片当年之所以无限风光,很大程度上是学院对上届无视《红磨坊》的另类补偿,矫枉过正的结果便是诞生了又一部相对平庸的奥斯卡最佳影片。
凯瑟琳·泽塔琼丝实在好看。只是她很少拍如此压抑的戏。她的眼神始终犀利而不屑,望着那个在《冷山》里放肆大笑的蕾尼·齐薇格。她自始至终都在冷笑,冷眉冷对地嘲笑着自以为能掌控的命运。而蕾尼总是自顾自地纯真着,伪装到世故。她的金发雪肌我怎么看都比不上凯瑟琳的抖擞的黑短发,以及身体健美的她