朱迪

There is a point in the movie where Judy asks her fifth and last husband ‘What is that you do, anyway, Mickey?’, criticizing his incompetence in negotiating an unlikely deal that has promised her to be financially-secured in the long run.

My question to the movie is: What is that you do, anyway, JUDY? Initially, I was intrigued to see the life of the famous singer/actress/LGBT icon, but I grew furious as the story develops. It is not about acting. I like Renee and her performance is alright. The others okay. But the writing is so awful. I compare JUDY to CATS because they both have a good cast, but the execution is an epic fail. However, the awards season decides unanimously it is the movie for the Best Actress category, and I am dismayed by this decision. For me, JUDY doesn’t deserve a winner because a good acting cannot make up for the fact that it is a degrading, stereotypical, and lazy portrayal of yet another story of a fallen woman. The celebration of it is, therefore, questionable.

Also, like CATS, JUDY demonstrates that not every story is fit for retelling, especially when you can’t figure out a relevant perspective to introduce this story to the contemporary audience. Let’s find out how the writers decide this story should be told.

In the film, the biggest concern for Judy is she cannot be the custodian for her two young kids. She has to make money, not because she loves performing (or she won’t rejoice after learning Mickey’s plan will free her from her job), but because she needs money to be a good mother. Novel isn’t it? Obviously we cannot get enough stories of women desperate to be a good mother while they, in fact, are ill-equipped.

To achieve this goal, Judy works as a resident singer in London, which is good. But notice how she is unprofessional on many levels: she doesn’t rehearse, she puts her business partners in an awkward situation (not that they are nice people), and she is often late. When she should be aiming at making money so that she may fulfill her motherhood (which, as the film suggests, is the only role that gives her peace and happiness), she does the job poorly. But she still needs money and – oh – here comes the rescuer! A man! To rescue the world-renowned Judy Garland, all you need is a young white man from nowhere. How inspiring is that?! How lovely to see Judy desperate for love and gets it?! (Mind, it’s not love for stage.) How refreshing to see a woman falling for man and blinded by love because 1) she’s desperate for money and he promises to get her money 2) she is appreciated by him (Mind, she doesn’t feel appreciated by the audience).

Like everything in the film, the lovers’ break-up is predicable. But who is it to blame for the failure of the union? ‘You!’ shouted Mickey, throwing a glass away. For a second, I am actually convinced by him. The unprofessionalism by Judy certainly provides excuses for Mickey’s failure to seal the deal.

There is a lot of screen time given to Judy’s unprofessionalism; the question then becomes: is professionalism worthy celebrating? Not necessarily so. The film, with its flashbacks of her early career as a child actress in Hollywood, does show the toxic working environment that leaves a long-standing bad impact on her (anorexia, insomnia etc). But the comment on the dark side of professionalism ends there. Instead of serving as an opportunity to reflect on the exploitative nature of show business, the early trauma functions more as a lead to what the film tries hard to demonstrate: that is, Judy does not love stage; in fact, she hates it. In return, the audience does not love her that much. Yes there are two gay men who are devout followers, but there are also boos and things thrown onto the stage from more than two men. This makes the last sentence the director decides to put on the screen saying Judy is ‘loved by others’ all the more weaker and unpersuasive.

The last subtitles remind people Judy passed away six months after her London shows, amplifying and encapsulating the sad mood of the film. In fact, the film is obsessed with showing how miserable Judy is. As a result, it misses tons of opportunities to look into the why. It stops before delving into the details of how Hollywood abuses young actors (what it shows is really no news); it shows how inconsiderate the media (TV show host) is but it does not push further into the area where things are studied more closely. The host asks Judy questions about her not being with her kids and Judy is vulnerable and tormented, with her PR/assistant staring and doing nothing – it feels like this film was doing nothing: it shows the misery and abuses, but it does not feel the obligation to investigate and to engage. It is as if the film-makers were saying: don’t mind the bullies, let’s only look at the victim. The result is erring, an almost voyeuristic view into others’ vulnerability. It feels more insensitive if the later scenes between Judy and her assistant and the pianist guy are to be considered. The assistant is a flat character and there is no connection between Judy and her. Not even a cake can save the situation. The pianist has every reason to reject a lunch with Judy, yet he chooses to be there graciously. Both the assistant and the pianist are condescending. They are like, I am doing my job; you are not cooperating but we still put you in beautiful dresses and take you to fancy dining hall NOW SAY THANK YOU. The film’s take on show business, therefore, is completely perplexing. Although it has opportunities to raise awareness of how Hollywood destroys a talented girl, it is reluctant to do so. Instead, we see the ‘humane’ side of the staffs, regardless of how empty and incoherent their humanity is. Casting a beloved Michael Gambon as a high-end figure of the theatre certainly does not help.

Judy Garland is regarded as an LGBT icon. Some claim that gay men feel an affinity with her because they see themselves in her struggles. There are also people who claim, as time passes, Judy’s icon status slips. Resilience to fight back, rather than being miserable, becomes the quality that gay people identify with more. My problem with the film’s take on the episode between Judy and her gay fans is that it attaches too much importance to how it is misery that ties them together. With the gay community’s changing perception of how they want to be seen, the film’s highlighting ‘the common ground’ feels anachronistic – it feels like we were given something that is no longer needed in today’s conversation. A historical autobiographical film is historical and autobiographical, but it doesn’t mean that creating ‘the past’ is all that needs to be done. Precision in portraying the past is a myth. Every shot is a commentary. What I read from the film is a message that doesn’t fly anymore: that gay community connects with certain celebrities only because they are all treated unfairly by the society. Needless to say, the unfairness exists, but if you want to revoke Judy’s gay icon status, why not find something enabling, empowering and forward-looking, or you can be more reflective: don’t just present the miseries, take an active instead of passive stand: stare at the bullies and ask why.

But isn’t there anything brave about Judy? That brave qualities that people, gay or straight, find inspiring and endearing? It is scandalous that this film doesn’t present any of these; all it does is to show the fifty shades of miseries of Judy (and gay fans). Is that all they have? If that’s all you can think of saying about them, why do we need a film like this?

Not we don’t love a story that assures us celebrities live a shitty life too, but this one is different. This film is about: a woman, abused by an industry that disrespects and abuses women from a young age, fails at something she is good at, only to be told by the society that she fails because it’s her fault – that she sucks at her job, that she is unprofessional, that she has bad taste in men, that she is not a good mother – oh yeah look how serene and stable life her ex-husband has provided the kids with and how can you not believe this?! When this film is about how a woman fall and it’s her fault; when it revokes the classic narrative where a woman’s destiny is chasing someone to love her (husbands or audience), instead of learning to love herself; when such a portrayal is actually celebrated – the whole thing feels like a mimic of the shitty deeds done to Judy, and it’s bad news.

电影开始的时候，MCM老板说你难道想成为千千万万那些普通城镇里的普通妇女吗？她们有人比你长的更好，身材更好。但是你有她们没有的，你可以有百万钞票，Judy说她不知道，我接话说Voice。哈哈哈。不知喜悲。

Judy 晚年没有公开的录音说，where is my money？她应该是非常富有。但实际上她常常无家可归（她的经理人被告上法庭）。她是老板赚钱的工具。没有童年，没有自己的时间。不能吃汉堡和蛋糕🍰。睡不着她们就给她安眠药，需要清醒给她另一种药。第一次结婚怀孕了，公司说不行，就被她妈妈陪着去打胎。她女儿接受采访时说她12岁就知道她妈妈病的很重。说不像现在，经过研究和宣传，大家对这些药的副作用非常了解。

我觉得这部BBC的电影非常不错。那是JUDY 人生中最后的一段时光。积习难返，她继续依耐药物和想利用她的男人在一起。好像除了唱歌什么都不会。助理穿着薄衣的时候，她穿貂皮觉得冷。在那个冰冷的世界唱着自己的歌，舍不得那个舞台。我觉得RENEE把握的很好。她的走台，表演都非常传神。唱的那部分不好评论。一个传奇的谢幕，还算很棒。

这是一个关于Judy Garland的传记类电影。Judy，作为LGBTQ的 icon拥有短暂坎坷戏剧化却极其多彩的一生。本片聚焦的是她在人生暮年，最后一次登台演出，一场为期五周，远在异国他乡——英国伦敦的演唱会。她是一个过气的演员，在美国寻遍机会却仍然无法得到大众像当年一样的赏识与认可；她是一个妈妈，为了一双儿女，在各种酒吧摸爬滚打登台献唱，赚尽了最后一分钱却还是无法将孩子留在自己身旁好好照顾；她是一个演员，在孩子们面前装作若无其事，实际内心如千刀万剐；她是一个歌手，在英国剧院舞台上一首接着一首，让观众沉迷，让所有人醉心；她是一个酒鬼，每天表演都会迟到甚至醉到与观众起冲突而罢演；她是一个失眠者，整夜整夜地睡不着只好靠酒精来麻痹自己痛苦又脆弱的神经；她是LGBTQ🏳️‍🌈团体的icon，以一首Somewhere over the rainbow 抚平了多少同志心灵深处的创伤......历史赋予了她多种多样的角色，好的坏的一起咽进肚子里；生活为她涂抹上了很多色彩，不管哪些是她喜欢的，哪些是她不愿意的。殊不知，在她心中，她一直渴望的，或者说她一直就是，《绿野仙踪》里那个无忧无虑天真活泼的桃乐丝。 1939年，Judy迎来了事业巅峰——绿野仙踪里的Dorothy，从此开启了她在好莱坞里自带光环的演员生涯。所有人都看到了Dorothy单纯可爱的百灵鸟的形象，却看不到荧幕背后制作人用药物对这只小百灵鸟的摧残，饿了，两片药片，困了，两片药片，没精神了，再来两片......她已经分不清什么时候是白天什么时候是黑夜了，她所知的只有工作和不工作，拍戏和不拍戏，睡不着和...睡不着。仅仅是为了让她在拍《绿野仙踪》时保持身材，就毁了她的整个身体，她的噩梦也从此开始。Judy这一辈子必须要靠药物才能睡着，可以说除了钱包，药片是她必备的“包里揣”。她放下自己最牵挂的一双儿女只身一人来到伦敦街头，只为能赚够钱做一回自己。她像小女孩一样任性，开心就唱，不开心就酗酒罢演，她爱着那个聚光灯下的舞台，爱着那个清清楚楚地让自己遍体鳞伤的职业，最后一场演出，她眼里满含不舍，对于她割舍不下的观众，对于她满怀歉意的乐团，对于她享尽荣华最后却身败名裂的演艺圈。她想做回一个普通人，过一个平凡的渺小的，不太危险，不太刺激，本本分分的家庭主妇的生活，或者是一个出纳员，一个小学老师，一个农夫的妻子，像其他女孩那样去看电影，像其他女人那样看着自己的皮肤因家务活而粗糙。可她是Judy，是演员，是歌手，是全美国的邻家女孩，她就像美人鱼爱丽儿，为了心之所向放弃鱼尾换来了人类的腿，每一步都像走在刀尖上却仍然向大自然贡献自己美妙的歌喉，向生活歌唱。她也是全世界第一个同志icon，她是这首歌的原唱，这首歌也被认为是彩虹旗🏳️‍🌈的灵感来源，但是大多数LGBTQ的人生都跟她一样并没有《Somewhere over the rainbow》那么美好。 《Judy》献给所有勇于与命运抗争的人，就像她最后说的: "It isn't a song about getting anywhere. It's about walking toward somewhere that you've dreamed of. And maybe,maybe the walk,is every day of your life. And the walking has to be enough. It's about hope. And we all need that." 朱迪·嘉兰，全世界第一个同志icon，她是这首歌的原唱，这首歌也被认为是彩虹旗🏳️‍🌈的灵感来源，但是大多数LGBTQ的人生都跟她一样并没有《Somewhere over the rainbow》那么美好。 The Wizard of Oz： A heart is not judged by how much you love; but by how much you are loved by others. 君心澄澈不以君爱多少而判， 但以他人爱君之广深而断。

谁将成为第92届奥斯卡金像奖的最佳女主角呢？尽管在奥斯卡正式颁奖之前，一切都还是未知数；但毋庸置疑，目前呼声最高的一个名字绝对是：蕾妮·齐薇格！

凭借在影片《朱迪》中的精彩表演，蕾妮·齐薇格已然赢得了好几座影后奖杯，包括第77届金球奖影后、第73届英国电影学院奖影后，以及第26届美国演员工会奖影后，等等。很多影迷更早已将她视为新一届奥斯卡“准影后”。

第77届金球奖最佳女主角

第73届英国电影学院奖最佳女主角

我们不妨先说一下齐薇格饰演的这位传奇女星本体——朱迪·加兰。相信大家对《Over the rainbow》这首歌一定都不会感到陌生；这首经典的传世之作，源远流长，被评论界誉为20世纪最伟大的歌曲之一，而它的原唱者便是朱迪·加兰。

这首歌最早出自1938年的电影《绿野仙踪》。当年，米高梅公司原本选择的是秀兰·邓波儿出演本片女主角，但阴差阳错，最终敲定了当时还名不见经传的童星朱迪·加兰。而朱迪也不负众望，凭借这部电影一举成名；从此便邀约不断，成为那个时代最负盛名的双栖女明星。

1939《绿野仙踪》

然而，这却是“噩梦”的开始。成名后的很多年里，朱迪·加兰的健康状况一直红灯频闪，而情感生活也是她人生中注定绕不开的一大死穴。堕胎、酗酒、自杀、病痛、婚姻破裂、负债累累，这一连串的苦难摧残着朱迪的身心与意志。生命后半程始终是她的人生低谷，落魄难堪，星光全无。

面对朱迪·加兰这样的传奇人物，可尝试的拍摄角度其实有很多，也有不少细节鲜活的影史资料可供参考。遗憾的是，鲁伯特·古尔德执导的这部《朱迪》注定不是真正经得起时间考验的、专注于拍好人物本身的传记片，它充其量只是一部主打演员表演的冲奥传记片而已。

换句话说，在《朱迪》这部高度模板化的流水账传记片中，除蕾妮·齐薇格的表演之外，其他的所有一切都只能用乏善可陈来形容。在我看来，这种有点“本末倒置”的人物传记片在近年的好莱坞市场上并不少见。

自2010年代起，几乎每年北美颁奖季上都会涌现出瞄准奥斯卡表演奖的热门人物传记片，偏偏奥斯卡又很吃这一套，因此这类电影赢得表演奖的概率往往要比其他电影高得多。用故事突出角色，用角色包装演员，这样的传记片似乎就是专门为未来的影帝影后们量身定做的。

当然，我们也不能否认，这类传记片中曾经有不少难能可贵的佳作。但长此以往，当同样拍法被不断嵌套到不同的传记人物身上时，最初的那种新鲜感终将被消耗殆尽。比如去年囊获奥斯卡影帝的那部《波西米亚狂想曲》，其实就备受争议。

如今的好莱坞制片模式已然趋于僵硬，一旦某个故事形态或某种类型片制造了收益，无论是票房上的还是口碑上的，制片公司便会以该成功范例作为模版，再复制粘贴出第二个版本、第三个版本，源源不断，直到这个模式彻底不再吸引观众。

漫威超英电影如此，类型电影同样如此。而之所以传记片也被推上这条僵化之路，正是因为其剧本与制作模式太有规律可循；对创作者而言，以个人作为核心展开故事，总要比挖空心思描述一个群体或一个时代更容易得多。

影片《朱迪》正是这种传记片套路里的产物。叙事时间一定要选在角色的人生转捩点，任何危机过后自然都会绽放光芒，而故事的结局则往往都有一种雨过天晴、岁月静好的意味。

纵观《朱迪》这部电影，我们固然能够从中感受到朱迪·加兰的巨星魅力，但这种魅力其实并非来自电影本身。在我看来，影片最大的优势便在于蕾妮·齐薇格的表演，她以其“变色龙”一般的演技，再现了朱迪·加兰的命运沉浮，赋予了这部电影以及作为演员的自己，尚能撑住场面的光芒与掌声。

然而，在我们对这种套路传记片早已产生审美疲劳之后，难免会觉得《朱迪》比那些“尚有求变心态”的传记片要显得尴尬得多。影片集传记式人物瑕疵之大成，嗑药酗酒、爱情失败、官司缠身、颠沛流离，再加上近几年流行的原生家庭伤害。

可以说，影片《朱迪》中所呈现的朱迪·加兰，便是一个被生活拼命摧残的典型。固然，这些问题都曾毫无疑问地出现在真实的朱迪身上，但放进电影里，却仅仅是走马观花，而丝毫不曾认真探求过为何一代巨星的身后会如此满目疮痍。

言行稍有不慎就会身败名裂，因身体状况糟糕而无法完成表演，这些曾经给朱迪带来了什么样的心理创伤，以及朱迪是如何与痛苦共存的，影片都没有任何讨论。所有一切都只是堆砌式呈现：朱迪是明星，是失去抚养权的可怜的母亲，她有痛苦，后来难以克服上台的渴望，于是奋力唱好了一次歌，赢得掌声。但直到故事戛然而止，都不曾真正深入人物内心。

换而言之，影片最大的失败就在于试图面面俱到地讲述朱迪·加兰的人生。她身上备受瞩目的标签太多，年少成名、绿野仙踪、同志偶像、石墙运动，单独拿出任何一个来讲，都足以拍出一部精彩的人物传记片。

然而，影片《朱迪》却将故事时间线放在了朱迪·加兰告别人世前一年，这当然也无可厚非。但创作者却颇有野心，试图在这样的设定下吞吐朱迪整个人生的起伏，就反而过犹不及了，以至于朱迪身上的每一个标签都只能浅尝辄止。

除了剧本层面的问题，剪辑上的问题也很难被忽略。乍一看整个故事似乎有两条线，一条是朱迪表面光辉、实则悲惨的年少成名时代；另一条是朱迪穷困潦倒、人走茶凉的中年时期。但遗憾的是，这两条线并没有产生逻辑上的紧密关联。

观众们其实很难从插叙的内容与时间点上看出，朱迪的少年时代是如何影响到中年时期的。比如童星必须挨饿保持身材、睡不够也要上节目等等，这些少年时代的情节都是碎片化的，并没有形成一个有力的整体，以映射中年朱迪的困境。

而与米高梅老板谈论母亲的只言片语更是画蛇添足。正片中明明从未出现过朱迪母亲，只在台词中不断提及她利欲熏心、不负责任；仅以单薄的言语构成一个原生家庭的伤害背景，并试图与朱迪作为母亲的身份进行对比，着实有点偏颇。

而且朱迪在影片中作为母亲的形象，也没有得到完整建构。首先，朱迪与子女的互动非常有限。其次，她不仅与第三任丈夫育有一对子女，还跟第二任丈夫育有大女儿丽萨·明尼利，后者长大后也成了好莱坞歌舞巨星。影片明明也拍了大女儿，却仅仅一笔带过，若稍有走神就可能错过这一层母亲身份，以为朱迪仅仅只有两个孩子。

事到如今，好莱坞式的人物传记片已经看不到太多吸引观众的新意了。这一模式之所以能够坚持到现在还有市场，都是靠演员们的表演在一直强撑着。

过气谐星、疯狂减肥，整容失败……从昔日大红大紫，到后来默默无闻，蕾妮·齐薇格的人生经历确实与朱迪·加兰有着相似之处。尽管有人说，她在《朱迪》中的表演痕迹过重；但那些光彩照人的时刻，她的表演的确十分传神，还有着迥然于其他女演员的浑然天成的可爱与天真。

而影片中的歌舞部分，齐薇格也都完成得非常出色。那些灯光闪耀、歌声不绝的舞台桥段，我们依稀能看到齐薇格当年在歌舞片《芝加哥》中光彩照人的影子。这一刻，我们分不清谁是角色、谁是演员，齐薇格与朱迪合二为一。

回望今年的金球奖颁奖典礼，当蕾妮·齐薇格成功拿到影后奖杯时，她跟台下的观众们打招呼说：“十七年过去了，你们看上去很不错。”虽然《朱迪》并不是最配得上她演技的作品，但齐薇格终究还是迎来了她演艺事业的第二春。

正如同《朱迪》的片尾，当全场同声合唱《Over the rainbow》的那一刻，既是属于朱迪的熠熠生辉，也是属于齐薇格的万丈光芒。

作者| 蓝詹；公号| 看电影看到死

编辑| 骑屋顶少年；转载请注明出处

今天不忙。

我们这个工作，忙的时候忙死，闲的时候，闲的特别心虚。总觉得哪里有事等着，有事还没干。

昨天呢，我因为有点事情，动了气，这个气到现在还没消。惯常不忙的时候，一定是忙这件事的，但是这件事因为我的生气也忙不了，所以昨天开始，翻了JUDY来看。

唉，昨天看的时候，就觉得特别憋屈，觉得自己真心不想看这种电影。觉得压抑，我啊，最喜欢看些三星封顶的无脑爱情片，或者轻喜剧，比如Knocked Up这种，我就特别喜欢。人生已经够苦了不是么。

Judy呢，全片看下来，最后唱SOMEWHERE OVER THE RAINBOW的时候，我还是眼框里有泪。尽管，这是个不争气的女生，不硬气，不独立，但是我还是希望，整个世界，能对她好一点。

她是个孩子的时候受了太多委屈，这个我恨不得把那个胖老板掐死，太坏了，挣钱不要脸。但是Judy对于这件事，消化的很好，她只是说，让她的孩子远离这个圈子，远离那些混蛋。所以她知道他们是混蛋，她恨她们，但是至少在影片里，她算了。

长大以后呢，不独立，也很伤。她对爱情和值得信赖的关系，是特别渴望的。她希望有个人，能无条件爱她，即使她错了，还能被原谅。这要求过分么？不过分呀。谁不是呢？我不知道男人啊，至少女人，或者说，至少我，也当然希望有这样的关系。只不过，我们都早早的认知了，这！是！不！可！能！的。即使有那么一点点可能，也只可能是，多年的惺惺相惜的朋友关系，例如，不是塑料姐妹花的闺蜜。是万万不可能从男人身上获得的。所以，我们比她呢，绝望来得早一点。那你说，她总是相信爱情，总是有希望，错了么。

我看到这种人，总是希望世界对她一点。像最近看乘风破浪，也有这样的感觉。每个姐姐，都辛苦，都不容易啊，好好的美美的活着吧。

加油。

如果一个天才某个方面过于闪耀，这往往会掩盖他/她在其他方面的无能。一方面人们总是会选择性地更加宽容，忽略这些缺陷；更可恶的是另一种情况了，人们为了培养天才的所谓“天赋”，不惜牺牲普通人所具有的其他能力。

（养废了的朱迪，让我想起了早些年新闻里那些生活能力极弱的学霸故事，考进了大学却连洗脸水都不会打，除了会读书考试外简直一个废人了）

人生的议题有很多，某个领域的成功也许可以帮一个人在其他方面暂时蒙混过关。比如朱迪没有稳定的住处，没关系，她可以去巡演确保自己在酒店的住处，婚姻不顺也没关系，有名声有事业可以获得下一任丈夫，似乎生活中的一切难题对她来说都不是问题。

但这样的作弊对朱迪没什么好处，因为她不知道如何解决这些问题，只会一贯思路觉得只要自己好好唱歌🎤好好赚钱，这些都会被解决的。

可这是治标不治本啊！

人们应该真正面对这些问题，然后从克服困难中获得力量和自我意志，而不是——“只要我好好唱歌”这些就会好了，只要“演出顺利”就会好了。朱迪为了完成这两个目标几乎牺牲掉了生活中的其他部分（正常饮食，睡眠，喜好，稳定住所……）所以她根本不具备安排生活的能力，甚至也不具备自我意志。她不了解自己，看不清别人，处理不好自己的生活琐事，也不会与别人沟通，她竟然除了唱歌做什么都能一团糟！

于是唱歌就成了她的救命稻草。她从唱歌这件事上才能获得认可和存在感，她也相信，通过唱歌其他问题也能被间接解决掉。

这一方面造成了朱迪的内心压力，她根本无法从歌唱中获得快乐，因为歌唱只是手段，是达成目的的工具。被工具化了的事情，怎么能给人带来发自内心的快乐呢？所以，朱迪强逼着自己唱歌，每次登台前都像自己按着自己的头去吃shi

这种混乱的生活，看起来那么令人绝望和痛苦，不知要怎样才能改变——

直到——朱迪的光环散去

她发现自己已经没必要歌唱了（剧院终止合同，没有人再愿意听她歌唱；儿女们要和爸爸在一起，不再需要她巡演来买房），她终于获得了歌唱的欲望，也重新获得了对舞台的热情。但匆匆已经47年过去了，她仿佛未曾拥有过人生。

（朱迪的人生已经无法重来，但如果看到这部电影的你还年轻，希望不要再跌入同一个陷阱：

不要为了某些“远大”的“目标”，放弃。生命中值得起舞的每一天

更不要被自己的某些光环蒙蔽双眼，光环固然耀眼，但总会有照不到的角落，也总有失散的那天，能陪伴我们的只有我们自己。

把自己磨砺地更强大吧，学会照顾好自己，学会生活。生活是需要努力才能学会如何过好的，需要勇气也需要坚强。）